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analisi di eventi, esistenti, e linguaggio audiovisivo

Le ragioni della lotta armata della sinistra italiana, in un esercizio di analessi storica e morale – a cura di Roberto Bernabò

Titolo originale: La Prima Linea
Altri titoli: Miccia Corta – The Front Line – La Première Ligne
Regia: Renato De Maria
Anno di produzione: 2009
Durata: 96′
Tipologia: lungometraggio
Genere: drammatico
Paese: Italia/Belgio
Produzione: Lucky Red, RTBF, Les Films du Fleuve; in collaborazione con Rai Cinema, Sky Cinema, Medusa Film, Quickfire Films Limited
Formato di ripresa: 35mm
Formato di proiezione: 35mm, colore
Ufficio Stampa: Lucky Red Ufficio Stampa
interpreti: Riccardo Scamarcio (Sergio Segio); Giovanna Mezzogiorno (Susanna); Daniela Tusa (Guardiana di Firenze); Awa Ly (Cantante Jazz); Fabrizio Rongione
soggetto: Sandro Petraglia; Ivan Cotroneo; Renato De Maria; Fidel Signorile
sceneggiatura: Renato De Maria; Sandro Petraglia; Ivan Cotroneo; Fidel Signorile
musiche: Max Richter
montaggio: Marco Spoletini
costumi: Nicoletta Taranta
scenografia: Alessandra Mura; Igor Gabriel
fotografia: Gian Filippo Corticelli
suono: Mario Iaquone; Marta Billingsley; Marc Bastien
casting: Francesco Vedovati
aiuto regista: Gianluca Mazzella
produttore: Andrea Occhipinti; Jean-Pierre Dardenne; Luc Dardenne; Arlette Zylberberg
Direttore di Produzione: Michela Rossi
Produttore Esecutivo: Delphine Tomson
Produttore Esecutivo: Gianluca Arcopinto
Produttore Associato: Stefano Massenzi
Produttore Associato: Carl Clifton
Sito Web: http://www.luckyred.it/laprimalinea
Ambientazione: Torino / Pinerolo (TO) / Venezia / Rovigo
Periodo delle riprese: Inizio riprese il 9 febbraio 2009
Budget: 5.000.000 euro
“La Prima Linea” è stato sostenuto da:
Film Commission Torino Piemonte
Eurimages
Wallimages
Tax Shelter ING invest de Tax Shelter
Productions Française Platteborse et Joëlle Levie
Inver Invest
Muriel Bostyn et Jean-Baptiste Piette
Tax Shelter del Governo Federale Belga
Libro da cui è tratto il film “La Prima Linea”:
“Miccia Corta. Una Storia di Prima Linea” di Sergio Segio, 256 pp, DeriveApprodi, collana DeriveApprodi, 2005: Sergio Segio, il “comandante Sirio”, è stato tra i fondatori di Prima linea, l’organizzazione armata che ha contato mille militanti e migliaia di simpatizzanti. In questo libro descrive una delle azioni più clamorose e audaci della lotta armata in Italia: l’assalto al carcere di Rovigo con cui liberò la sua compagna e altre tre detenute politiche. Il racconto si snoda in una sola giornata, il 3 gennaio 1982, con un ritmo incalzante tipico delle migliori sceneggiature di film d’azione. Sullo sfondo si intersecano alcuni fotogrammi delle lotte e dei movimenti degli anni Settanta.

Sinossi: 3 gennaio 1982. Sergio (Riccardo Scamarcio) è a Venezia, dove ha messo insieme un gruppo per attaccare il carcere di Rovigo e far evadere quattro detenute tra le quali Susanna (Giovanna Mezzogiorno), la donna che ama e con cui ha condiviso idee e scelte politiche. Tratto da una storia vera, quella di Rovigo è una delle più audaci evasioni mai messe a punto durante i turbolenti anni di piombo. Mentre il gruppo si avvicina al carcere, Sergio ricorda gli inizi della clandestinità, il passaggio alle armi e l’incontro con Susanna. Intanto la giornata del 3 gennaio volge al culmine: il gruppo è arrivato a Rovigo, all’interno del carcere Susanna e le altre attendono l’ora fissata. Un’esplosione fa saltare in aria il muro di cinta e comincia l’assalto. Susanna e Sergio si ritrovano, l’evasione è riuscita ma non tutto andrà come previsto …

“Noi di Prima Linea abbiamo fatto cose da pazzi. Avevamo scambiato il tramonto per l’alba. Eravamo convinti di avere ragione, ma invece avevamo torto …. solo che allora non lo sapevamo.“
Sergio Segio
La pellicola e’ ispirata al libro ““Miccia Corta. Una Storia di Prima Linea”” di Sergio Segio, l’ex comandante Sirio di Prima Linea, condannato a 30 anni per l’omicidio del giudice Alessandrini.

1. Introduzione – circa le ragioni della catarsi documentarista

Chi legge questo blog lo sa.

Amo molto il cinema documentarista.

Ho spesso scritto in favore di questa ontologia del cinema, perché una delle ragioni per cui amo così tanto la pratica della visione delle pellicole, in sala, è che spesso mi aiutano a capire, mi supportano in quel complesso lavoro che è la maturazione etica, civile, persino morale, arrivo a dire.

Vedere, assistere, in un documentario, alla ricostruzione di fatti realmente accaduti, come nel caso di specie, è come se mi liberasse dal dubbio.

E’ come se mi desse una prova inconfutabile di quello che realmente fu quella verità.

Con tutte le sue sfaccettature, i suoi dubbi, i suoi tormenti. Le sue molteplici, e sottili, e contraddittorie, angolature.

Questo processo, lento, che accade per il tramite dei nostri occhi, è una sorta di arte magica. Divinatoria. Trascendente arrivo a dire. E catartica.

In questo post:

1. Introduzione – circa le ragioni della catarsi documentarista
2. Circa il racconto non politico degli eventi e degli esistenti
3. Circa il linguaggio audiovisivo e le rese attoriali
4. Conclusioni

Cos’è la verità?

Anzi la Verità, per un uomo?

E’ un lavoro di ricerca, in salita, che può impiegare anche un’intera vita.

E l’arte della visione dei documentari, personalmente, la ritengo una pratica molto importante, per riuscire ad avvicinarla, la Verità.

Non dico a raggiungerla, ma avvicinarla, ed, alle volte, anche molto, si.

Ecco perché mi sgomentano le pressioni contro le intercettazioni. Ma non intendo parlare di politica in questo post.

Anche perché ritengo che tradirei lo spirito del film, e del romanzo dal quale, lo stesso, è tratto.

2. Circa il racconto non politico degli eventi e degli esistenti

Eh già, perché il vero protagonista del film non è la ragione politica, quanto piuttosto, in un racconto sapientemente anacronico, le ragioni morali ed etiche di un lungo percorso di revisione, e di analisi critica, di quello che fu, sul finire degli anni ’70, il movimento della lotta armata di sinistra: “Prima Linea“.

In questo genere di film il problema non è mai il cosa raccontare.

Tanto meno se stiamo parlando di una trasposizione dal letterario al filmico.

Ma è sempre il come gli eventi vengono narrati.

Nel caso di specie esiste una coerenza tra l’idea di un film documentarista e la restituzione della verità dei protagonisti.

Il film è, in primo luogo, raccontato in prima persona da Sergio Segio, il leader storico del movimento, interpretato, lo devo proprio riconoscere, davvero magistralmente, da Riccardo Scamarcio, un attore che non amo particolarmente, ma che è già la seconda volta che mi stupisce per le sue capacità attoriali.

Che dire, dalla lunga testimonianza, in flashback, di Sergio, emerge, lentamente, il quadro di un ambiente sociale semplice nei suoi contorni: “i capitalisti“, “il proletariato“, “le forze dell’ordine“, … in una parola “la lotta di classe“, e la contrapposizione dualistica, tipica di quegli anni, tra i “cosiddetti fascisti” ed i “cosiddetti comunisti“, che in Italia, almeno secondo me, non ci sono stati poi davvero mai.

Ma, al tempo stesso, complesso nelle sue ragioni.

Il contesto degli eventi è quello del protagonista. Un padre operaio. Una madre casalinga. L’incontro con il sindacato. La passione per le ragioni della classe operaia. L’intuizione che la lotta dovesse essere più dura, più esplicita, fino a diventare, tra i dubbi ed una consistente divisione tra la base e i frangisti, armata.

Quello che mi è piaciuto del film, oltre agli esistenti, carnefici e vittime, al tempo stesso, dell’ideologia della quale ritenevano di essere, a torto, come Sergio stesso ammetterà, nella sua lunga deposizione, gli unici fedeli interpreti, sono la storia d’amore vero tra Sergio e Susanna, raccontata con il procedere tipico della ricostruzione, lentamente. E l’amicizia tra Sergio ed un suo compaesano, che svolge, senza successo, il ruolo dell’archetipo narrativo di “guardiano della soglia“, e che tenta di frenare gli intenti omicidi dell’amico.

3. Circa il linguaggio audiovisivo e le rese attoriali

E le capacità registiche di dare, ad un racconto su carta, il ritmo tipico del cinema di genere.

Non c’è che dire. Un eccellente lavoro di adattamento prima, ma, direi, anche e soprattutto, di regia filmica dopo.

Crisi e climax che si alterano e si serrano con le dovute rapidità imposte dal film di azione, improvvise situazioni di suspance, risolte con un convincente rapporto tra suspance e sorpresa (come nelle sequenze fuori al carcere di Rovigo, quando la banda non sa se potrà agire o no, ed attende lo scioglimento dei posti di blocco).

Insomma, per essere un film costato solo 5.000.000 di euro, stiamo a livelli che, con mezzi maggiori, potrebbero raggiungere l’eccellenza.

Convincenti più o meno tutte le rese attoriali, tra le quali spicca quella di Riccardo Scamarcio, al quale, oltre alle sequenze di azione, viene affidato il complesso ruolo cornice, tipico della ricostruzione storica, della voce fuori campo narrante.

Brava, anche se non convincente come Scamarcio, anche Giovanna Mezzogiorno, che riesce a coniugare, nella resa del suo complesso personaggio, un volto spietato, idealista, integralista e fondamentalista, con uno molto umano, e sentimentale di una ragazza, tutto sommato, semplice.

Convincente l’impianto nel suo complesso, e bisogna dare atto che il materiale del romanzo ha fornito spunti di notevole pregio, al sempre difficile lavoro di adattamento.

4. Conclusioni

Un viaggio nel ricordo e nella memoria di tutti i principali eventi di quegli anni, visti, però:

• da un lato, con l’imparzialità della ricostruzione storica (e notevole è stata la ricerca d’archivio finalizzata ad integrare il racconto basato sul romanzo con inserti documentaristi, nella piena accezione del termine);

• e, dall’altro, con lo sguardo intimista, e, forse, addirittura credulone e romantico, come lo definirebbe Francesco de Gregori, di un gruppo di ragazzi troppo giovani, (Sergio quando fu arrestato aveva solo 27 anni), per reggere il peso di certe scelte.

Girato anche grazie ai fratelli Dardenne, sempre molto sensibili alle ragioni della comprensione, analitica e profonda, delle vicende umane che sento, per questo, molto vicini al mio “sentire” attuale, il film di Renato De Maria, narra anche il senso di responsabilità, l’angoscia della colpa, lo smarrimento etico e politico di quegli anni di piombo.

Ma anche, e, forse, dovrei dire soprattutto, la capacità di accettare le ragioni e ancor di più le conseguenze delle proprie scelte anche se ritenute errate,, una pratica abbastanza desueta, che sarebbe un bene fosse maggiormente esercitata da, che ne so, Sergio Marchionne, i sindacati attuali, e persino dai membri dell’attuale governo e dell’opposizione.

Non si riesce mai, infatti, a mio parere, a parlare in maniera convincente del passato, senza “mordere” il presente.

Alla prossima.

Ti è piaciuto questo post? Vota il blog, come miglior blog di cinema, dal 2 al 24 settembre prossimi venturi, ai Macchianera award 2010, qui.

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Non ho molto altro da aggiungere

alla foto, ai video, e, soprattutto, a questo.

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ma tipo le Arene estive?

Ultimissime dalla Mostra di Venezia

Saranno 22 (di cui 1 a sorpresa), i film in Concorso alla prossima rassegna del Cinema di Venezia, 83 i lungometraggi in tutte le sezioni della Mostra, 41 gli italiani (tra lunghi, corti e medi) tra i quali mi piace ricordare il ritorno di Mario Martone, il regista napoletano che si era distinto con film difficili come “Morte di un matematico napoletano“, “L’odore del sangue“, “Teatro di guerra“, e “L’amore molesto“, ed il ritorno del romano Ascanio Celestini che dopo il film sui lavoratori precari dei Call Center di Atesia: “Parole sante“, porta alla mostra “La pecora nera“, adattamento cinematografico di un suo spettacolo teatrale, 19, infine, le pellicole americane.

Venezia 67 punta moltissimo sugli autori (e sulla gioventù: 46 anni dell’età media dei registi in gara, eh si sarei fuori target sigh …), onora e celebra i maestri (da Scorsese a Bellocchio, fuori gara con il genio Jan Svankmajer, passando per Monte Hellman, grande “vecchio” in lizza per il Leone d’Oro), e conferma le previsioni della vigilia: sarà grande Mostra, che mai come quest’anno punta a insidiare il primato di Cannes nel firmamento festivaliero internazionale.

Questo sulla carta, ora la parola passa allo schermo …

I film in uscita dal 30 luglio 2010

Sono solo due i nuovi film in sala questo fine settimana, l’horror drark “Time of Darkness” del polacco Grzegorz Kuczeriszka, datato 2008.

L’altro film è l’italiano “La città invisibile” di Giuseppe Tandoi, che porta sullo schermo il dramma della vita tra le macerie del post terremoto aquilano (basta …).

Il gradimento di questo blog è dato, come sempre, dall’ordine in cui le pellicole sono presentate.

Non dimenticatevi le arene estive. Si rimediano ottimi film di questa stagione cinematografica. Ad esempio questa sera a Roma all’ARENA CINEMUNIX ALLA BELLINI: “L’uomo che verrà” di Giorgio Diritti.

Time of Darkness

(Pora Mroku, 2008, Germania, Polonia)

Regia: Grzegorz Kuczeriszka
Con: Natalia Rybicka, Karolina Gorczyca, Jakub Wesolowski, Jan Wieczorkowski, Pawel Tomaszewski, Jakub Strzelecki, Katarzyna Maciag, Ryszard Ronczewski, Ewa Kolasinska, Bogdan Koca, Bartosz Zukowski
Distributori: Rainieri Made
Genere: Horror
Durata: 95′
Data di uscita: 30-07-2010

Sinossi: Il film, diretto da Grzegorz Kuczeriszka, segue le vicende di quattro ragazzi che, per riuscire a ritrovare il loro amico scomparso un anno prima, si imbattono in una vecchia fabbrica abbandonata nella Bassa Slesia, dove un gruppo di scienziati usa cavie umane per garantire a facoltosi clienti l’immortalità.

La città Invisibile

(La città invisibile, 2010, Italia)

Regia: Giuseppe Tandoi
Con: Barbara Ronchi, Roberta Scardola, Alan Cappelli Goetz, Leon Cino
Distributori: Iris Film
Genere: Drammatico
Durata: 90′

Sinossi: La terra trema… e il mondo non è più lo stesso. Tutto cambia. Cambiano i paesaggi, cambiano le persone, cambia la vita. Spesso i cambiamenti sono solo l’inizio di una nuova vita. Una vita che può sorgere dalle ceneri di una città distrutta, dalle rovine di una città come l’Aquila. Questo è ciò che accade a Luca e Lucilla. Entrambi vittime, come i loro familiari e i loro amici, di una tragedia forse annunciata, ma al contempo forse inevitabile.

Alla prossima.

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Non era Donnie Darko

Sarà Black Swan, l’ultima fatica del regista Darren Aronofsky (Leone d’oro nel 2008 per “The Wrestler“), il film di apertura – in concorso – della 67^ Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia (1-11 settembre 2010).

Thriller psicologico ambientato nel mondo del balletto newyorkese, Black Swan vede protagonista la sempre affascinante Natalie Portman nel ruolo di Nina, una prima ballerina che si trova imprigionata in una intricata ragnatela di competizione con una nuova rivale nella compagnia (Mila Kunis).

Nel cast anche l’attore francese Vincent Cassel ed una rediviva Winona Ryder.

Per il programma definitivo della Mostra bisognerà attendere giovedì 29 luglio, giorno in cui sarà svelato il cartellone completo.

I film in uscita dal 23 luglio 2010

• Fish Tank
• Il solista
• The Losers
• Il Maestro e la Pietra Magica
• The Box
• Matrimonio in famiglia

Fish Tank

In pole position nelle uscita del weekend, il vostro blogger di fiducia, colloca Fish Tank, della brittanica Andrea Arnold, già premio Oscar nel 2003 per il corto Wasp e premio della Giuria a Cannes nel 2006 con l’opera prima Red Road.

Anche Fish Tank – ritratto di una quindicenne ribelle, la cui vita viene radicalmente cambiata dall’arrivo a casa del nuovo fidanzato della madre – era stato presentato in concorso a Cannes 2009 doveva aveva ottenuto il premio della giuria ex-aequo con “Thirst ” – di Park Chan-Wook.

Notevole l’interpretazione della giovane protagonista, Katie Jarvis.

Il solista

L’esistenza del personaggio interpretato da Robert Downey Jr. cambierà per sempre invece in “Il solista“, dopo l’incontro con Nathaniel, un musicista senzatetto dalle doti eccezionali interpretato da Jamie Foxx.

Il lungometraggio – trasposizione dal letterario al filmico di una serie di articoli firmati per il Los Angeles Times nel 2005 da Steve Lopez, nonché del suo omonimo libro, “Il solista” – è diretto da Joe Wright.

The Losers

Evasione pura e semplice, ma di eccellente fattura, nell’action “The Losers“, che vede una squadra molto speciale – la “Na’vi” Zoe Saldana accanto a Chris Evans e Jeffrey Dean Morgan – in missione speciale nella giungla boliviana.

Il maestro e la pietra magica

Dalla Russia, ma targato Disney, il fantasy “Il maestro e la pietra magica” che noi riteniamo degno di nota.

The Box

Ci duole collocare in penultima posizione l’ultimo lungometraggio di Richard Kelly, ma proprio ci duole assai, ma che dobbiamo fare?

Le vite di Norma e Arthur Lewis vengono completamente sconvolta quando ricevono una misteriosa scatola di legno che, nel giro di 24 ore, potrebbe farli diventare molto ricchi. A discapito però della morte di un’altra persona.

E’ l’intrigante spunto di “The Box“, una delle uscite più attese di quest’ultimo weekend di luglio. Per almeno tre ragioni: è tratto da un racconto del grande Richard Matheson (molti dei suoi romanzi sono arrivati al cinema, citiamo ad esempio “Io sono leggenda”), vanta un cast niente male – Cameron Diaz, James Marsden e Frank Langella – ed è diretto da Richard Kelly.

Che però, vi anticipo, ha realizzato il suo terzo film in modo pare alquanto pretenzioso, e non certo al livello del sempre indimenticabilmente meraviglioso Donnie Darko.

Matrimonio in famiglia

Di tutt’altro livello e ci duole dirlo è invece la commedia family “Matrimonio in famiglia”, nel quale i protagonisti sono due padri costretti a mettere da parte le rispettive antipatie quando i loro figli decidono di convolare a nozze. Con Forest Whitaker e America Ferrara, ossia l’Ugly Betty della tv.

L’ordine in cui vengono proposte le pellicole è il gradimento che questo blog accorda come sempre ai film in uscita, regolatevi di conseguenza, tenendo anche presente che, per dire, io il film di Richard Kelly me lo vedrò ugualmente, e che d’estate, ad esempio a Roma, potete trovare, nelle Arene, molti bellissimi film di questa stagione cinematografica.

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Iran – 2009

analisi di eventi, esistenti e linguaggio audiovisivo

Produzione: Iran
Anno: 2009
Genere: Drammatico
durata: 119′
Interpreti: Golshifteh Farahani, Taraneh Alidoosti, Marila Zare’i, Rana Azadvar
Sceneggiatura: Asghar Farhadi
Fotografia: Hossein Djafarian
Montaggio: Haydeh Safi-Yari
Scenografia: Asghar Farhadi
Costumi: Asghar Farhadi
Colonna Sonora: Hassan Zahedi
Sala della visione: Sala 3 del Cinema Greenwich – via G.B. Bodoni 59 – 00153 – Roma

Sinossi: Iran, un gruppo di amici si ritrova in una villa sul Mar Caspio. Sepideh ha invitato anche Elly, la maestra del figlio. Ahmed, archiviato il matrimonio con una tedesca, è tornato nel paese. Questi si avvicinano, ma un evento scuote la riunione: mentre controlla due bimbi sulla riva, Elly scompare. E’ annegata in mare o si è allontanata volontariamente? Il gruppo si interroga, nessuno sembra conoscerla davvero.

“Meglio una fine dolorosa, che un dolore senza fine“

1. Introduzione – circa la narrazione allegorica e simbolica degli eventi

Vincitore dell’Orso d’Argento al Festival di Berlino (migliore regia), e del premio Best Narrative Feature al Tribeca di De Niro, About Elly è un film che mi ha molto colpito, un po’ perché sfugge agli stereotipi del cinema iraniano, ed un po’ perché ha il merito di descrivere, dentro una vicenda simbolica ed allegorica, lo “stato delle cose” dell’Iran sia come “situazione di fatto“, e sia come dimensione della sofferenza e del senso d’impotenza in cui versa, chi spera che qualcosa, in quel paese, cambi.

In questo post:

1. Introduzione – circa la narrazione allegorica e simbolica degli eventi

2. Il triplice cambio del point of concetnration dell’intreccio e la sequenza del “doppio incidente”

2.1. Alireza, il vero fidanzato di Elly, ed il tema del tradimento

3. Il finale del film ed i riferimenti cinèphile al film “L’avventura” di Michelangelo Antonioni

4. Circa il possibile piano di lettura metaforico dell’opera

5. Conclusioni

Asghar Farhadi – del quale avevo già visto il lirico “Il tempo dei cavalli ubriachi” – propone, infatti, nel suo film, una vicenda in modo “solo” apparentemente “solo” narrativa, ovvero senza (apparenti) congetture o clamorose rivelazioni sulle caratteristiche del regime iraniano, ma nella quale, in realtà, affida la deduzione della denuncia, alla costruzione del racconto filmico.

E’ un interessante gioco di stile l’idea di “rivelare senza proclami“, sostituendo, alla denuncia, la struttura stessa del racconto, affidando, cioè, l’aspetto documentarista della pellicola, più alla storia ed al discorso, come mi piace dire, che non agli eventi ed agli esistenti, in quanto tali.

Per metterlo in pratica, Farhadi, ci mostra, dapprima, le solo apparentemente spensierate vicende di un piccolo gruppo di amici – comitiva nella quale include uno spettro completo e variegato di esistenti, muovendo l’azione in un ambiente “chiuso”, quasi da pièce teatrale (la villa sul mare, la spiaggia antistante), ed alla quale affida una prima parte dell’intreccio, basata intorno all’obiettivo narrativo di far conoscere allo spettatore, gradualmente, anche in maniera interessante dal punto di vista della suspance, le relazioni tra i soggetti, ed i valori che le sottendono, ed in cui gli esistenti interagiscono collegialmente – per poi, in un secondo momento, con uno stratagemma di puro screenplay cinematografico, mostrarci – tramite l’artificio della misteriosa scomparsa di Elly, e della conseguente scomposta, nonché sopra le righe, reazione degli altri personaggi, a tale evento – il vero piano narrativo del film, assai più allegorico, nel quale arriva a tangere significati e significanti di uno spessore, a mio giudizio, notevole, e per i quali l’intreccio è, probabilmente, solo un pretesto.

Dal punto di vista della costruzione narrativa cioè (la sceneggiatura è dello stesso Farhadi), al suo quarto lungometraggio, il cineasta iraniano dimostra, ancora una volta, una considerevole ed apprezzabile conoscenza dei metodi della scrittura e della regia cinematografica: basti citare, al riguardo, “il modo in cui gli elementi ambientali, politici, culturali, dell’Iran siano evincibili da tutta una serie di punti di snodo dell’intreccio“:

(Ahmed e Elly che si dichiarano sposi per non infrangere le leggi e la tradizione, ma anche per far progredire il racconto).

E ancora il copioso ricorso al “principio di simulazione” – del fare apparire, cioè, gli esistenti per quello che sono, ma, anche, per quello che non sono, o che, forse, vorrebbero essere, – che il regista amplifica con una progressione davvero notevole, trasformandolo in una sorta di abisso paradossale (Elly/Amhed finti sposi – Sepideh finto personaggio edotto – Elly finta single – il finto fratello, ecc.).

2. Il triplice cambio del point of conetnration dell’intreccio e la sequenza del “doppio incidente”

Altro elemento che impreziosisce l’impianto narrativo è il triplice cambio del point of concentration della storia.

C’è una prima sequenza che, da questo specifico punto di vista, separa la prima parte con la seconda del film.

Quella della scomparsa di Elly che, attraverso l’espediente del “doppio incidente” in mare (prima quello del bambino, poi quello “non narrato” e “non visto” ma solo dedotto di Elly), che distoglie, definitivamente, l’attenzione dalla trama tessuta fino a quel momento, e che “scaraventa“, letteralmente, l’attenzione dello spettatore sul vero, e, forse, “unico evento” del film, (la scomparsa della ragazza, forse morta), creando uno sdoppiamento che aumenta il mistero (ti mostro due fatti, di cui solo uno è realmente importante, sul piano della drammaturgia degli eventi).

Ma il cambio del “point of concentration” dell’intreccio narrativo non si esaurisce in questa a guardare bene.

Esiste anche un terzo tempo.

2.1. Alireza, il vero fidanzato di Elly, ed il tema del tradimento

Dal momento in cui entra in scena il vero fidanzato di Elly (Alireza), infatti, egli letteralmente fa “entrare nel cerchio” degli amici, un nuovo tema centrale dello sviluppo narrativo:  quello del complesso nodo dell’infedeltà, che attenua, sbiadendola, la misteriosa ed angosciante scomparsa di Elly.

Questo elemento culturale diventa lacerante e pervasivo, e culmina nella sequenza in cui Alireza implora Sepideh, vero personaggio demiurgico della storia, di rivelare la verità non sulla sparizione, ma sul loro rapporto di coppia: “Ha detto che era fidanzata con me? Lo ha detto?“

3. Il finale del film ed i riferimenti cinèphile al film “L’avventura” di Michelangelo Antonioni

In questo senso, il finale del film, mostra e svela, forse, tutta la capacità evocativa del titolo.

Più ci avviciniamo alla fine del film, infatti, e meno la fine (la morte) conta, il lutto si sfilaccia, qualcos’altro diventa più importante, quasi come in un inconscio ricorso al riferimento cinefilo del film “L’avventura” di Michelangelo Antonioni.

Esattamente come nel lungometraggio del regista italiano, infatti, la scomparsa in mare (in quel caso mostrata dal regista) – ed al tempo stesso il suo rifiuto, la speranza di ritrovare Elly viva – riverbera, anche, l’ozoniano “Sotto la sabbia“.

Ma raggiunto l’acme (ακμή) del dramma (la sequenza sovracitata), il regista, di nuovo sembra, però, tornare al tema della morte: ma l’ennesima inversione tematica è bloccata dalla semplice, scarna, inquadratura del cadavere all’obitorio.

L’enigma pertanto rimane intatto: non “precisamente Elly“, dunque, ma about Elly, “a proposito di”… giacché la vera natura della donna, è oramai, irrimediabilmente, mai più intimamente conoscibile, quasi come per il personaggio di Krisztina, nel romanzo “Le braci” di Sandor Marai.

4. Circa il possibile piano di lettura metaforico dell’opera

Insomma, dobbiamo proprio riconoscerlo, Farhadi fa assolutamente centro nella costruzione, ed imbastisce una perfetta combinazione tra plot puro e risvolti della tradizione iraniana.

Il legame con la terra di Ahmed (altro esistente fondamentale nell’intreccio, che ha sposato una tedesca, e che ora vuole un’iraniana), il cui ritorno, dante causa degli eventi, avviene davanti all’amniotico/mare.

Il diverbio marito-moglie che tracima ed esplode in violenza, evidenziando il tratto arcaico ed ancestrale dei maltrattamenti alle donne, le schermaglie rosa, appaiono lecite, si, ma solo se dette per scherzo (tutti devono essere coppie), altri dettagli.

Ne deriva un’atmosfera di sospensione, che non narra, in maniera esplicita, né un’oppressione palese, né, tanto meno, una ribellione inevitabile, ma punta – più decisamente e verosimilmente – su un’arretratezza creata e narrata con l’ausilio di piccoli dettagli (quanto sono importanti i dettagli nel cinema), come quello della descrizione delle donne, tutte molto belle ed intelligenti, e che mostrano i capelli lunghi, apparentemente emancipate, nel senso che, si, possono truccarsi, si, possono giocare alla seduzione, ma che, al dunque, rimangono, pur sempre, sottoposte all’uomo, e che sono, comunque, costrette a mostrarsi con il velo.

Forse, e sottolineo forse, esiste un piano allegorico di lettura del film, e del suo singolare e, solo apparentemente strampalato, intreccio. Magari anche un po’ semplicistico, ma che fornisce ulteriori chiavi lettura circa gli eventi e gli esistenti del film.

L’insistenza sulla metafora: appare subito evidente, ad esempio, che la casa fatiscente, con i suoi vetri rotti, rappresenti, allegoricamente, l’Iran, nella sua attuale condizione (“Possiamo sistemarla”, dice uno dei giovani).

La stessa Elly – che vuole abbandonare il fidanzato, ma che, al dunque, scompare – non potrebbe rappresentare, forse, il tentativo di una liberazione che fallisce?

Va riflettuta ed analizzata, dal punto di vista simbolico, a questo riguardo, la sequenza in cui Elly, prima di scomparire, tenti, riuscendoci, di fare volare l’aquilone (rotto) di una delle bambine, quasi un simbolo dell’emancipazione (del singolo, del popolo), così come gli stessi esistenti che nella sequenza iniziale del film “urlano al vento” dalle auto in corsa.

5. Conclusioni

Detto questo a conclusione di questa breve analisi a me il film è piaciuto, anche se, lo devo ammettere, ho impiegato molto tempo ad “entrare nella storia”.

La frase in tedesco: “Meglio una fine dolorosa, che un dolore senza fine“, è qualcosa che ti rimane dentro, come una rivelazione, ed anche l’idea che “non si dovrebbe mai costruire la propria felicità sull’infelicità degli altri“, con tutta l’enorme portata etica, politica, religiosa, persino, che questa riflessione implica, è una cosa che non mi ha più abbandonato per tutto il resto della serata.

Bravissimi e convincenti tutti gli attori, tra i quali non posso esimermi dal citare la straordinaria interpretazione di Golshiften Farahani, nel complesso ruolo di  Sepideh, bellissima ed intensissima.

Alla prossima.

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Già in sala da mercoledì 14 le due uscite più attese: Predators e Solomon Kane

Già nelle sale da mercoledì 14, “Predators“di Nimrod Antal proverà a sfidare il dominio al box office di Toy Story 3.

Ritorno al passato e su un pianeta misterioso con Adrien Brody protagonista, mercenario che dovrà abituarsi presto al nuovo ruolo di “preda”…

Gli fa compagnia (in sala) “Solomon Kane“, guerriero capo di un esercito di mercenari nell’Inghilterra del XVI secolo. Per chi invece preferisce ridere un po’, ci penseranno Ben Stiller e Jason Schwartzman con “Un microfono per due“. In uscita anche l’italiano “Prigioniero di un segreto“.

Predators

Il primo, prodotto da Robert Rodriguez e diretto da Nimrod Antal, è il remake del cult di fantascienza degli anni ’80 (Predator di John McTiernan, 1987) e una sorta di prova del nove per Adrien Brody che per il suo debutto nell’action dovrà vedersela con alieni sanguinari e niente di meno che con (anche) il fantasma di Arnold Schwarzenegger, indimenticato protagonista del capostipite.

Solomon Kane

Solomon Kane ci porta ancora più indietro nel tempo, alle guerre di conquista inglesi del XVI secolo. Il protagonista è a capo di una banda di barbari mercenari spedita in Africa per attaccare un misetrioso castello: ma ad attenderli c’è un nemico giunto direttamente dall’Ade…

Un microfono per due

Per gli amanti del disimpegno c’è da registrare l’uscita della commedia “Un microfono per due”, con Ben Stiller e Jason Schwartzman: Stiller è il Professor Gribble, insegnante di canto di un liceo americano dai modi giovanili e sfacciati e che millanta conoscenze nel mondo dello spettacolo. Dovrà vedersela con il suo ex allievo Marc Pease, petulante, cocciuto, sognatore e aspirante musicista, cui lui dieci anni prima aveva promesso aiuto.

Prigioniero di un segreto

Per chi ama il nostro cinema Italiano esce infine “Prigioniero di un segreto” di Carlo Fusco, protagonista Stefano, un ragazzo difficile diventato preda dell’illegalità e della violenza cui si lega sentimentalmente Mary, determinata a salvarlo.

Così, giusto per condividere vi lascio il trailer del film poi ditemi voi …

Come sempre il gradimento di questi film per noi è quello dell’ordine in cui sono mostrati.

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anticipazione su “The Social network” – di David Fincher (l’atteso film su facebook)

Toy Story 3 – La grande fuga e gli altri

The Social Network: il nuovo, attesissimo film di David Fincher aprirà il 48° New York Film Festival – il 24 settembre, ma questo blog vi anticipa, che, in anteprima mondiale, dovrebbe sbarcare prima alla Mostra di Venezia.

Scritto da Aaron Sorkin, il focus è sulla nascita di facebook, il più famoso e popolato social network del mondo, creato nel 2004 da Mark Zuckerberg, che ha raggiunto e superato i 500 milioni di iscritti a livello world wide.e popolato social network del mondo, creato nel 2004 da Mark Zuckerberg, che ha raggiunto e superato i 500 milioni di iscritti a livello world wide.

Jesse Eisenberg interpreta proprio il giovane ideatore di FB, Mark Zuckerberg, mentre Sean Parker, creatore di Napster ed ora presidente di facebook, è interpretato da Justin Timberlake.

Infine, ad Andrew Garfield tocccherà la parte di Eduardo Saverin, il co-fondatore del celebre social network, in seguito allontanato/allontanato(si), per controversie finanziarie.

Nei cinema dal 9 luglio 2010

Per quello che riguarda il fine settimana al cinema che dire se non che è arrivato (e finalmente) il momento dell’uscita di “Toy Story 3 – La grande fuga“, l’ennesima fatica oramai possiamo dire ultimo nuovo capolavoro d’animazione targato Disney-Pixar, già in sala da mercoledì 7 luglio.

Quasi sicuramente, vogliamo scommetterci, sarà il nuovo campione d’incassi anche da noi, dopo il quasi incredibile successo ottenuto tre in soli weekend negli USA con 308 milioni di dollari.

Poche le altre uscite:

“Che fine ha fatto Osama Bin Laden?” – di Morgan “Super Size Me” Spurlock.

E le commedie “Laureata… e adesso?” e “Dopo quella notte“, opera d’esordio di Giovanni Galletta.

Nel seguito del post il solito schema che propone i film in uscita da quello che noi consigliamo di più a quello che consigliamo di meno. Insomma il solito gradimento decrescente.

Toy Story 3 – La grande fuga

titolo originale: Toy Story 3
nazione: U.S.A.
anno: 2010
regia: Lee Unkrich
genere: Animazione
durata: 86 min. – 3D
distribuzione: Walt Disney Studios
sceneggiatura: M. Arndt
musiche: R. Newman
Voci doppiatori americani ed italiani: Tom Hanks, Tim Allen, Lee Unkrich, Fabrizio Frizzi, Massimo Dapporto, Claudia Gerini, Fabio De Luigi, Riccardo Garrone, Gerry Scotti, Giorgio Faletti

Sinossi: Mentre Andy si prepara alla partenza per il college, i suoi fedeli amici giocattoli si ritrovano in un asilo, dove giocare con dei bambini indomabili, con piccole dita appicicose non è molto piacevole. Spinti dal motto “tutti per uno-uno per tutti”, insieme pianificano la grande fuga. All’avventura si uniranno molti nuovi personaggi, alcuni di plastica, altri di peluche, tra cui lo scapolo amico di Barbie, Ken, l’istrice con i caratteristici pantaloncini lederhosen di nome Prickles e Lotso Grandi Abbracci, l’orsacchiotto rosa che profuma di fragola.

Che fine ha fatto Osama Bin Laden?

titolo originale: Where in the World Is Osama Bin Laden?
nazione: Francia / U.S.A.
anno: 2008
regia: Morgan Spurlock
genere: Documentario
durata: 93 min.
distribuzione: Fandango
cast: M. Spurlock
sceneggiatura: J. Chilnick • M. Spurlock
musiche: J. Spurney
fotografia: D. Marracino
montaggio: G. Coleman • J. Lombardi
cast: Morgan Spurlock, Daryl Isaacs, Alexandra Jamieson e Laken James Spurlock

Sinossi: Con un bambino in arrivo la necessità di rendere il mondo un posto più sicuro si fa impellente, così un modesto cittadino del West Virginia decide d’intraprendere quello che nessuna squadra operativa speciale è riuscita a fare: mette all’opera la sua assoluta mancanza di esperienza, preparazione e competenza per dare la caccia all’uomo più pericoloso e ricercato del pianeta. L’epica ricerca ha inizio a New York e fa il giro del mondo. Morgan Spurlock attraversa Egitto, Marocco, Israele, Palestina, Arabia Saudita, Afghanistan e si avvicina più che mai al cuore di tenebra, le regioni tribali del Pakistan, in cerca del barbuto Osama Bin Laden. Lungo il percorso interroga esperti e imam, dà una mano all’esercito israeliano a disinnescare bombe, scopre la teoria del complotto che collega Al Qaeda al film Babe-Maialino Coraggioso e partecipa ai raid dei militari americani in Afghanistan. Nel frattempo sviluppa una comprensione più profonda delle radici dei conflitti che oggi turbano il mondo e si avvicina al suo obiettivo.

Laureata… e adesso?

titolo originale: Post Grad
nazione: U.S.A.
anno: 2009
regia: Vicky Jenson
genere: Commedia
durata: 88 min.
distribuzione: 20th Century Fox
cast: Alexis Bledel (Ryden Malby), Zach Gilford (Adam Davies), Bobby Coleman (Hunter Malby), Carol Burnett, Jane Lynch (Carmella Malby, Michael Keaton (Walter Malby), Rodrigo Santoro (David Santiago) e Craig Robinson (Direttore funerale)A. Bledel  • Z. Gilford (Adam Davies) • M. Keaton (Walter Malby)
sceneggiatura: K. Fremon
musiche: C. Beck
fotografia: C. Minsky
montaggio: D. Congdon

Sinossi: Ryden Malby dopo essersi diplomata al college è costretta a tornare a vivere nella sua casa natale con la sua eccentrica famiglia mentre cerca di trovare un lavoro, il ragazzo giusto e di capire dove sia diretta la sua vita.

Dopo quella notte

Produzione: Marier Production, in collaborazione con Digital Cinema
Regia: Giovanni Galletta
Sceneggiatura: Giovanni Galletta
Durata: 100’
Genere: drammatico
Paese: Italia
Genere: Drammatico
Anno di produzione: 2010
Cast: Maurizio Mattioli, Lucrezia Piaggio, Enrico LoVerso, Serena grandi, Maria Grazia Cucinotta, Francesca Ferrazzo, Emanuela Aurizi, Andrea Iervolino (produttore del film), Lou Bellucci, Antonio Vianelli, Cosetta Turco, Gaia Bulferi Bulferetti, Niccolò Tiberi, Edoardo Ercole Grandi, Vincenzo Merli, Alessia Fabiani, Andrea Tommasini, Antonella Ponziani, Veronica Bruni, Rosa Pianeta.

Sinossi: Francesco ed Elena, Roberto e Flavia, Tommaso e Virginia, compongono una compagnia fissa ed affiatata da ormai tre anni; sono tutti residenti a Roma e di buona famiglia. Elena e Francesco sono due venticinquenni in procinto di sposarsi; Roberto e Flavia hanno vent’anni e si amano con l’impeto della gioventù; Tommaso e Virginia sono due single che hanno in comune il fatto di avvertirsi in distonia con il mondo. L’unione di questi personaggi sarà sconvolta dalla morte di Francesco a causa di un incidente stradale; la perdita dell’amico sconvolgerà le esistenze di tutti. Chi deciderà di chiudersi in casa, chi sceglierà di fuggire, chi deciderà di scommettere tutto in un nuovo rapporto amoroso, chi non riuscirà a fare a meno di buttarsi via; ognuno comunque si perderà completamente prima di ritrovare inaspettatamente una nuova strada da percorrere proprio quando tutto sembrava irrimediabilmente compromesso. La vita non mancherà, infatti, di sorprenderli.

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Vampiri, gay nazisti e farfalle

LeiLuiL’altro

Il film cult per più di una generazione, terzo della saga, è uscito ed ha già realizzato il record di 2,4 milioni di euro d’incassi in un solo giorno.

E’ “The Twilight Saga: Eclipse” e segna il ritorno della saga Twilight e della paranoia cosmica di Bella, divisa tra l’amore di un vampiro e quella di un licantropo, indecisa se vivere eternamente come moglie di Dracula o campare prosaicamente da persona normale.

Passioni turbolente anche al centro del danese “Brotherhood“, vincitore a Roma, e bevute stravaganti nell’italiano “Butterfly Zone – Il senso della farfalla“.

Meglio le arene voi che dite?

Di seguito, tutti i dettagli sui film in uscita, nel consueto ordine dettato dalla preferenza accordata da questo blog:

Fratellanza – Brotherhood (2009)

di Nicolo Donato con Thure Lindhardt, Signe Egholm Olsen, David Dencik, Nicolas Bro, Jon Lange, Hanne Hedelund, Lars Simonsen e Anders Heinrichsen.
Genere Drammatico. Durata 90 minuti. Distribuito in Italia da Lucky Red.

Sinossi: Deluso da un mancato avanzamento di carriera, Lars lascia l’esercito ed entra a far parte di un gruppo neonazi, che organizza raid punitivi contro arabi e omosessuali. L’apprendistato alla ‘fratellanza’ è duro e Lars viene affiancato dal mentore Jimmy, incaricato di testarne l’affidabilità e la preparazione sui testi fondamentali stile Mein Kampf. Imprevedibilmente tra i due scoppia la passione. Un amore vissuto in segreto finché alla fine le regole razziste e violente del gruppo metteranno gli amanti di fronte all’inevitabile contraddizione: tradire i ‘fratelli’ di ideologia o tradire l’altro e i propri sentimenti. Qualunque sia la scelta, porterà dritti alla violenza, fisica o mentale.

Butterfly Zone – Il senso della farfalla (2009)

di Luciano Capponi con Pietro Ragusa, Francesco Martino, Francesco Salvi, Alessandra Rambaldi, Giorgio Colangeli, Barbara Bouchet, Vincent Riotta e Damir Todorovic.
Genere Commedia, Fantastico, Thriller. Durata 115 minuti. Distribuito in Italia da Borgo dello Spettacolo.

Sinossi: Insieme all’amico Amilcare, Vladimiro scopre nella cantina del padre morto un vino che ha il potere di condurre nell’aldilà, aprendo una porta che sembra a doppio senso di marcia. Nei loro viaggi di esplorazione, che diventano via via sempre più consapevoli, i due riportano in vita un serial killer. Morti violente e rituali misteriosi coinvolgono nel gioco un Dipartimento di Polizia deviato e un’organizzazione occulta che cerca di impossessarsi del segreto. Affiancati da Lidia De Carolis, agente di polizia all’oscuro delle trame dei suoi superiori, Vladimiro e Almicare si scontreranno con diversi personaggi, reali e surreali, affronteranno prove e acquisiranno informazioni, guidati nella soluzione dell’enigma dal padre di Vladimiro, il misterioso Professor Chenier, scienziato-vignaiolo beneficiario e benefattore del dono, il misterioso Caresse de Roi capace di aprire quella porta.

The Twilight Saga: Eclipse (2010)

di David Slade con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Bryce Dallas Howard, Billy Burke, Dakota Fanning, Ashley Greene e Peter Facinelli.
Genere Fantastico. Durata 121 minuti. Distribuito in Italia da Eagle Pictures.

Sinossi: Bella Swan si ritrova a scegliere tra il suo amore per Edward Cullen e la sua amicizia con Jacob Black, consapevole del fatto che la sua decisione potrebbe riaccendere l’antico conflitto tra vampiri e licantropi. Mentre molti dei suoi amici vengono accettati dai vari college e sono impegnati nei preparativi per la cerimonia di diploma, la ragazza fatica ad accettare il compromesso che Edward le ha imposto: sposarlo prima che lui la trasformi in un vampiro. Intanto all’orizzonte si profila una guerra: una forza sconosciuta e inspiegabile ha creato un Esercito di NeoNati, formato da vampiri appena trasformati dotati di una forza, di una malvagità e di un’incontrollabile sete di sangue ancora maggiori nei primi mesi della loro vita sovrannaturale. Che siano uno strumento architettato da Victoria per ottenere la sua personale vendetta oppure dai potentissimi Volturi, che vogliono assicurarsi che Bella metta finalmente in atto la sua intenzione di diventare immortale? L’Esercito dei NeoNati, guidato da Riley, si fa strada verso Forks e verso le terre dei Quileute: per i Cullen e il Branco di Lupi è il momento di mettere da parte i loro conflitti innati e formare un’alleanza per proteggere Bella e tutta la loro comunità da una grande minaccia. Intanto, durante i preparativi per lo scontro, Bella apprende sempre di più sulla segreta storia della tribù dei Quileute, sul Branco dei Lupi e sul passato di Jasper e Rosalie: questa conoscenza l’aiuterà a comprendere i legami formati dai licantropi, a riconoscere il suo amore per Jacob Black e a proteggere coloro che ama.

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Nei cinema dal 18 giugno 2010

Il sorprendente giallo iraniano About Elly di Asghar Farhadi, e l’A-Team, versione per il grande schermo. Poi “Lei è troppo per me” e “L’imbroglio nel lenzuolo” con la rediviva Cucinotta

Esce oggi il sorprendente film iraniano, vincitore dell’Orso d’oro al 59 Filmfestspiele Berlin e trionfatore del Tribeca Film Festival.

Dopo aver vissuto per molti anni in Germania, Ahmad fa ritorno in Iran. I suoi vecchi compagni di università colgono l’occasione per organizzare una rimpatriata in una villa sul Mar Caspio. Una delle donne del gruppo, la vitale Sepideh, all’insaputa dei compagni, ha invitato Elly, l’insegnante di sua figlia.

Ahmad è reduce da un matrimonio infelice con una donna tedesca e non disdegna l’ipotesi di mettere su casa con una donna iraniana. Pertanto gli amici, che hanno compreso perché Sepideh ha invitato Elly, dedicano alla ragazza mille attenzioni e non fanno altro che lodare platealmente le sue qualità. Ma all’improvviso, dopo un incidente, Elly scompare nel nulla.

L’atmosfera gioiosa evapora istantaneamente, mentre il gruppo di amici cerca di capire perché  la ragazza sia scomparsa. Il panico si diffonde all’interno della compagnia e improvvisamente il carattere di Elly diventa ai loro occhi pieno di zone d’ombra: tutte le sue qualità svaniscono gradualmente, finché la verità non viene rivelata.

La mia recensione è qui.

E’ il film in uscita consigliato da questo blog.

Avviso ai naviganti

Il vero ranking di questi film in uscita (in pratica le mie personali priorità per la loro visione), lo trovate nelle locandine poste nella toolbar di destra.

§§§

Il cinema, ammettiamolo, è ormai orfano di storie e, per crearne di nuove, si affida sempre più alla tv, un tempo famigerata nemica, come sostengo si questo blog da tempo. Una tendenza nata negli USA e che avremmo fatto meglio ad importare con molta più parsimonia.

Cartoon, telefilm, serie di successo sempre più spesso passano all’altra sponda, quella grande big screen.

A-Team – di John Carnahan

L’ultimo prodotto televisivo “trasposto dal televisivo al filmico” è “A-Team“, un vero e proprio cult degli anni ’80, un’altrettanta autentica incognita oggi, il suo adattamento cinematografico che debutta oggi nelle sale italiane.

Diretto da John Carnahan e interpretato tra gli altri da Liam Neeson, Bradley Cooper e Jessica Biel, A-Team ha ricevuto forti critiche da Laurence Tureaud – il Mr.T della serie – che lo ha giudicato pieno di violenza e di sesso.

Magari, visti i tempi che corrono, potrebbe trattarsi (anche, fidatevi), di pubblicità occulta.

Per i più sognatori in arrivo anche ben due romantic comedy:

Lei è troppo per me – di Jim Field Smith

con Jay Baruchel e Alice Eve, un film che potrebbe stupire più di quello che il titolo sembrerebbe promettere.

5 appuntamenti per farla innamorare – di Nia Vardalos

che è il titolo in italiano del film “I hate Valentine’s Daydi” – di e con Nia Vardalos, al suo debutto in regia.

Infine due film italiani:

Una notte blu cobalto – di Daniele Gangemi

Che ha come protagonista un fattorino che vive un incredibile “Fuori orario” (quello scorsesiano), la notte che accetta di lavorare per una pizzeria …

Il cast meriterebbe migliori posizionamenti in questo post ma è andata così. Ha vinto anche un award credo all’Indipendent Film Festival di Houston in Texas, per dire …

L’imbroglio nel lenzuolo – di Alfonso Arau

interpretato da Maria Grazia Cucinotta e Primo Reggiani, ambientato agli inizi del novecento, e che segue le peripezie di una studentessa di medicina che s’invaghisce del neonato cinematografo.

Buona visione a tutti.

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analisi di eventi, esistenti e linguaggio audiovisivo

L’altro (non) siamo (ancora) noi – a cura di Roberto Bernabò

Scontro di civiltà per un ascensore a Piazza Vittorio

Interpreti ed Esistenti

Kasia Smutniak (Giulia)
Daniele Liotti (Marco Manfredini)
Serra Yilmaz (Nurit)
Ahmed Hafiene (Amedeo)
Isa Danieli (Benedetta)
Roberto Citran (Antonio Marini)
Milena Vukotic (Signora Fabiani)
Francesco Pannofino (Sandro Dandini)
Ninetto Davoli (Riccardo)
Marco Rossetti (Gladiatore, Lorenzo)
Kesia Elwin (Maria Cristina)
Luigi Diberti (Angelo Manfredini)
Paolo Calabresi (Commissario Bettarini)
Fabio Traversa (Sostituto Bettarini)
Manuela Morabito (Manuela)
Vincenzo Crivello (Tano)
Lamine Labidi (Iqbal)
Sara Labidi (Penelope)
Massimo De Santis (Leo)
Renato Nicolini (Funzionario)
Brando Pacitto (Gladiatore Bambino)
Gresy Cipriani (Poliziotta)
Pierluigi Cicchetti (Tenente)
Franco Mennella (Funzionario)
Gabriel Zagni (Abdallah)

Crew tecnica

soggetto: Amara Lakhous
sceneggiatura: Isotta Toso, Maura Vespini, Andrea Cotti (Collaborazione)
musiche: Gabriele Coen, Mario Rivera
montaggio: Patrizio Marone
costumi: Eva Coen
scenografia: Anna Forletta
fotografia: Fabio Zamarion
suono: Gilberto Martinelli
casting: Barbara Giordani
aiuto regista: Gianluca Mazzella
produttore: Sandro Silvestri, Maura Vespini
organizzazione generale: Tommaso Calevi
direttore di produzione: Francesco Tató
coordinatore post produzione: Franco Casellato
operatore alla macchina: Roberto Luzi
regia: Isotta Toso (opera prima)
anno di produzione: 2010
durata: 96′
tipologia: lungometraggio
genere: drammatico
paese: Italia
produzione: Emme; in collaborazione con Rai Cinema
formato di proiezione: 35mm, colore
ufficio stampa: Pierluigi Manzo
vendite estere: Intramovies
titolo originale: Scontro di Civiltà per un Ascensore a Piazza Vittorio
sito web: http://www.scontrodiciviltailfilm.it
ambientazione: Roma / Guidonia (RM)
periodo delle riprese: 8 settimane

Sinossi

Roma. La Piazza Vittorio del titolo, si trova al centro dell’Esquilino, storico quartiere romano, residenza borghese della burocrazia di fine Ottocento. Circondato dalla Roma più turistica e mondana, la sua vicinanza alla stazione centrale ne ha fatto negli anni, come in tutte le metropoli del mondo, un variegato luogo di approdo e stratificazione etnica e culturale. In un suo vecchio palazzo umbertino si snodano le vicende di un eterogeneo gruppo di inquilini, una piccola “folla multietnica” segnata da forti differenze culturali, di provenienza, di religione, di modi di intendere la vita. Nell’ambiente chiuso del palazzo e del condominio si consuma lo “scontro di civiltà” in cui tali differenze emergono prepotentemente nel quotidiano e diventano malintesi, piccole prevaricazioni, diffidenze… (continua). Le storie dei personaggi seguono i propri percorsi, incrociandosi l’un l’altra in ragione di una condivisione forzata dello spazio, del quartiere, del palazzo e del suo ascensore, puntualmente all’origine di tante dispute condominiali. Ognuno di questi personaggi esprime la sua solitudine, il suo male di vivere, offrendo uno spaccato, un sunto della sua esperienza di vita, le sue riflessioni e i suoi sentimenti in una prospettiva sociale. Chi cerca l’ispirazione per una fotografia, chi il cane improvvisamente smarrito, chi convive con le proprie rinunce, chi con la malavita locale, chi con le ruggini burocratiche a cui devono sottostare gli extracomunitari. Una morte improvvisa rompe il già instabile equilibrio condominiale. Tutti possono essere potenziali assassini e tutti si trovano ad incolparsi l’un l’altro. Saranno loro, insieme, allontanando per un momento ogni contrasto, a svelare al commissario il nome dell’assassino, al posto di quell’unico testimone, che però non può parlare: l’ascensore.

“Scontro di civiltà per un ascensore a Piazza Vittorio” è stato sostenuto da:

Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC)
Regione Lazio
FILAS

Libro da cui è tratto il film: “Scontro di civiltà per un ascensore a Piazza Vittorio” – di Amara Lakhous, 189 pp, E/O, collana Assolo, 2006.

Piazza Vittorio è il simbolo della nuova Roma (e della nuova Italia) multietnica, così come le liti condominiali attorno all’ascensore sono da anni l’emblema della difficile convivenza con i propri vicini di casa. Attorno a questi due momenti emblematici, l’autore, algerino romano d’adozione, ha costruito questo romanzo giallo. Prezzo di copertina: € 12,00

§§§

1. Introduzione – dedicata alle registe italiane che girano “fuori dal coro”

Tratto dall’omonimo romanzo di Amara Lakhous e realizzato dal team produttivo e creativo di “Notturno Bus” (Maura Vespini e Sandro Silvestri per la Emme, con la partecipazione di Rai Cinema), “Scontro di civiltà per un ascensore a Piazza Vittorio” è distribuito, in una manciata di copie, dalla Bolero Film.

Il film è stato girato della regista esordiente Isotta Toso (già autrice del soggetto, ed aiuto regista, del film del 2007: “Notturno Bus” – di Davide Marengo), e si è avvalso di un interessante e multietnico cast: Kasia Smutniak, Serra Yilmaz, Ahmed Hafiene, Roberto Citran, Milena Vukotic, Marco Rossetti, Francesco Pannofino, Luigi Diberti.

Ammettiamolo, non è mai facile trasporre dal letterario al filmico un romanzo.

Tanto meno quando si tenta, poi, di affrontare un tema così caldamente complesso nel vissuto dei cittadini italiani (che su questo argomento si dividono, anche in maniera esacerbata), quello della immigrazione, che tanto scompiglio sta creando, anche, in seno alla maggioranza di governo, grazie alle posizioni garantiste di Gianfranco Fini, diametralmente opposte a quelle di Umberto Bossi e della Lega, che raccolgono, però, consensi, anche nelle regioni del Sud, come la Basilicata.

Bene, aggiungeteci il fatto che anche la scelta del cast non è operazione semplice, dovendo, per necessità di ortodossia verso il romanzo (parzialmente violata, peraltro, con l’aggiunta dei due esistenti protagonisti Kasia Smutniak alias Giulia e Daniele Liotti alias Marco Manfredini), coinvolgere attori di diverse etnie.

§§§

2. Sprazzi autoriali

Quello che rimane è un lungometraggio che ha degli ottimi sprazzi autoriali.

Interessante e ben organizzato, in primo luogo, il tema dello “sviluppo del conflitto“, condotto ed agito, nella sceneggiatura, su più piani.

In una prospettiva etica e sociale:

• tra le diverse etnie,
• tra gli italiani tra di loro,
• tra gli italiani e le differenti culture delle eterogenee razze,

ed, ancora, in una prospettiva infra-personale (ed è forse il piano meno convincente dell’intreccio), anche:

• all’interno della coppia,

ed aggiungerei infine, in una prospettiva inter-personale, anche:

• all’interno di alcuni personaggi, come nel caso di Amedeo e dell’esistente protagonista Marco Manfredini.

Buona la direzione della fotografia.

Interessanti e sapienti, oserei dire, alcuni movimenti di macchina, ed alcune scelte formali nelle inquadrature.

Risulta gradevole lo spleen agro-dolce usato nella narrazione degli eventi, grazie al quale le caratterizzazioni, molto accentuate, degli esistenti, abilitano contrappunti di ambientazione, anche filmica, che spaziano, tangendoli, in più generi. Non solo nello specifico filmico del giallo, tanto per intenderci.

Apprezzabile, anche, una certa qual atmosfera poetica, creata grazie soprattutto alla convincente interpretazione (anche se il doppiaggio, imposto da esigenze di copione, la limita molto) dell’attore, di origine algerina, Ahmed Hafiene, che è forse la cosa che, personalmente, ho maggiormente gradito del film, insieme alla sua splendida colonna sonora.

Voglio dire … rispetto a quello che gira nelle sale italiane ultimamente, siamo su livelli non consueti. Eppure.

§§§

3. I perdonabili limiti del film

Eppure non tutto convince in questo film.

3.1. La tesi (faziosa?) sui “migranti“

In primis la tesi.

Il film è, chiaramente e verosimilmente, una forte provocazione molto politically uncorrect.

Il problema, nello sviluppo dell’intreccio, non sono i “migranti” con le loro accentuate diversità, le loro idiosincrasie verso il nostro paese, le loro culture così difficili da combinare e da comprendere.

No. Il problema siamo noi italiani. Con la nostra arrogante ignoranza, la nostra approssimazione culturale, la nostra incapacità di accogliere e di capire l’altro.

Anche se, lo devo proprio ammettere, mi è sembrato di cogliere dei riferimenti anche all’opera letteraria di Enzo Bianchi: “L’altro siamo noi“ (lettura che consiglio a tutti), quando dice:

La violenza, l’aggressione, innanzitutto verbale, non è forse un habitat al quale oggi assistiamo attoniti, in un’impotenza ad agire che ci rende tristi, e che amareggia i nostri giorni?

Basta accendere la televisione – cosa che personalmente mi capita assai di rado e solo fuori casa – per assistere a talk-show in cui si misura da subito il sistematico non ascolto dell’altro, mentre il tono di voce, gridato, copre ogni altra opinione, e passa, sovente, al disprezzo ed all’insulto, che negano l’altro nella sua soggettività e dignità.

Insomma il problema dei migranti c’è nel nostro paese, e questo film propone una tesi precisa.

Di contro lo fa in maniera così plateale, che non si può non cogliere, anche, una certa ironia di fondo, volta a fare sorridere amaramente, più che a denunziare.

Resta, infine, l’altro limite del film.

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3.2. Le capacità attoriali

Pur comprensivi delle oggettive difficoltà, per una regista esordiente, di garantire questo aspetto in maniera uniforme, non possiamo tacere le ripercussioni, di questo specifico aspetto, sul risultato complessivo dell’opera.

Al dunque non sono tutte, ammettiamolo, sullo stesso livello, e non sempre espresse, nella giusta assonanza, anche rispetto all’ortodossia verso il romanzo.

Tra quelle che mi hanno convinto di più mi piace citare: Marco Rossetti (Gladiatore, Lorenzo), Serra Yilmaz (Nurit), Francesco Pannofino (Sandro Dandini), Ninetto Davoli (Riccardo), Kesia Elwin (Maria Cristina).

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Intendiamoci però. Peccati veniali per un’opera prima, e per una regista esordiente. Non trovate?

Io ne consiglio la visione (ammesso che riusciate ancora a trovarlo).

Alla prossima.